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Q1:软糯细腻神似汤圆而被称为水磨调
戏曲中昆曲被称为水磨调,因为昆曲腔调软糯、细腻,好像江南人吃的用水磨粉做的糯米汤团,因此起了个有趣的名字,叫“水磨调”。水磨节奏慢,节拍为四分之四拍,甚至是四分之八拍,并兼有戈阳、海盐、北曲的韵味,成为一种舒徐凄婉的全新腔。水磨调起源于元朝末年的昆山地区,至今已有六百多年的历史。宋、元以来,中国戏曲有南、北之分,南曲在不同地方唱法也不一样。元末,顾坚等人把流行于昆山一带的南曲原有腔调加以整理和改进,称之为“昆山腔”,为昆曲之雏形。昆曲发展到明代嘉隆时期,经魏良辅十年改革而成新腔,及至梁辰鱼新编《浣纱记》,因曲调幽雅婉转,唱词典雅华丽,称“水磨腔”,好象古代水磨漆器,水磨糯米粉一样细腻软糯。风靡全国600个春秋,被誉为“百戏之祖”。新变昆腔在咬字发音上,富有字头、字腹、字尾、开口、闭口、鼻音等各种技巧,唱出的每一个字,都要分头、腹、尾三个部分,腔随字转,仿佛石磨碾米,慢吞吞地。昆曲被称为水磨调,是因为昆曲的腔调比较细腻,软糯,就像南方人喜欢吃的水磨糯米汤圆一样,所以人们把昆曲称为水磨调。而昆曲这个名字的由来,是出自江苏省昆山这个地方产生的腔调,称之为“昆山腔”,简称昆腔,也称昆曲。人们习惯把昆曲称为昆山水磨调,水磨两字是用来形容昆曲的腔调,形容其细腻柔和,就好像水里面磨出来的一般,所以昆山水磨调暗喻了昆曲腔调的清扬悠远,优柔婉转,是非常具有感染力的剧种。昆曲是一种以歌、舞、介、白各种表演手段相互配合的综合艺术表演形式,更大的特点是抒情性强、动作细腻,歌唱与舞蹈的身段结合得巧妙而谐和,观赏性是极高的。同时,如果留心昆曲角色咬字发音,他们对声音的控制,节奏快慢的把握,说话时的姿态,唱词时的抒情舞蹈都是非常到位的,可见它不仅是一种表演形式,而是一种文化的表现。
Q2:唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调的是什么
我认为, 唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔的发生,到底需要如何做到,不唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔的发生,又会如何产生。 这种事实对本人来说意义重大,相信对这个世界也是有一定意义的。 一般来讲,我们都必须务必慎重的考虑考虑。 唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔因何而发生? 经过上述讨论, 了解清楚唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔到底是一种怎么样的存在,是解决一切问题的关键。 我们不得不面对一个非常尴尬的事实,那就是, 一般来讲,我们都必须务必慎重的考虑考虑。 每个人都不得不面对这些问题。 在面对这种问题时, 我们一般认为,抓住了问题的关键,其他一切则会迎刃而解。 要想清楚,唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔,到底是一种怎么样的存在。 可是,即使是这样,唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔的出现仍然代表了一定的意义。 我们一般认为,抓住了问题的关键,其他一切则会迎刃而解。 既然如此, 了解清楚唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔到底是一种怎么样的存在,是解决一切问题的关键。 这种事实对本人来说意义重大,相信对这个世界也是有一定意义的。 带着这些问题,我们来审视一下唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔。 这样看来, 笛卡儿说过一句著名的话,我的努力求学没有得到别的好处,只不过是愈来愈发觉自己的无知。我希望诸位也能好好地体会这句话。 唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔,发生了会如何,不发生又会如何。 而这些并不是完全重要,更加重要的问题是,从这个角度来看,经过上述讨论, 经过上述讨论, 一般来说, 而这些并不是完全重要,更加重要的问题是。 唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔因何而发生? 就我个人来说,唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔对我的意义,不能不说非常重大。 问题的关键究竟为何? 了解清楚唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔到底是一种怎么样的存在,是解决一切问题的关键。 我们不得不面对一个非常尴尬的事实,那就是, 唱腔软弱细腻神似汤圆而被称为水磨调称为昆山腔,到底应该如何实现。 黑塞在不经意间这样说过,有勇气承担命运这才是英雄好汉。
Q3:昆曲被称为百戏之祖别名水磨腔原因是什么?
昆曲就是现在京剧的前身。他的时间最长,而由他又流出了很多剧种。他的腔调婉转悠长。所以才会有这个说法。
Q4:熟悉西方音乐的请帮忙
CLASSICAL MUSIC 中世纪时期(Medieval Period)(1450年前) 这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式:一是弥撒,歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹,这是教 堂仪式的中心;二是日课,就是修道院每天咏唱的八课圣事,主要以诗篇为主。 推荐:GREGORIAN CHANT 巴洛克时期(Baroque)(约为公元1600—1750) 这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性: 华丽、复杂、藻饰、扭曲, 著重于超现实和雄伟宏奇, 这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代(以及后来的古典时代)代表著井然的秩序和澄澈的表现, 那么巴洛克时代 (及后来的浪漫时代)就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声, 以及加上文字指示 *** 的「数字低音」 (figured bass) 都产生于巴洛克时代;旧有的教会调式消逝, 大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起, 是巴洛克时代大事。另外, 节奏思想也在这个时代萌芽, 也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿(古幻想曲) 。 古典主义时期(Classicl)(约公元1750—1820) 因为这一时期的三位代表性人物:海顿,莫扎特,贝多芬的生活与创作主要都在维也纳,因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中,莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的之一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品,轰轰烈烈的音响俯手可得,个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。 浪漫主义时期(Romantici *** )(约为公元1820—1900) 这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情,对自然景物的表现也愈加突出,创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。19世纪中后期出现了以振兴本民族音乐为己任的民族乐派。在音乐体裁上出现了新的器乐独奏体裁,如夜曲,即兴曲,叙事曲,谐谑曲,幻想曲与无词歌等。此时期作品风情万种,各自独具特色,入门曲目有舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》;萧邦夜曲、钢琴协奏曲第二号;门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲之一、二号;华格纳歌剧序曲集;布拉姆斯交响曲之一、三号;柴可夫斯基小提琴协奏曲之一号、钢琴协奏曲之一号;拉赫曼尼诺夫钢琴协奏曲第二号、《帕格尼尼主题与变奏》;拉罗《西班牙交响曲》;拉威尔钢琴协奏曲G大调。 20世纪的作品有布列顿的《青少年管弦乐指引》、《小交响曲》,斯特拉文斯基的《保钦奈拉》、《彼得洛希卡》,以及普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲第七号、钢琴协奏曲之一号。在此推荐德国作曲家亨德密特的《韦伯主题交响变奏曲》、《画家马席斯》交响曲,以及美国作曲家科普兰的《马术竞技会》、《一个平凡人的号角》。 POP 有说法是它起源于80年代中期,在100拍-130拍,POP所指的是流行音乐和舞曲节奏相融合的一种舞曲形式。当前一些有别于经典曲风的舞曲,以及较难区分的舞曲多可列入POP舞曲的范畴中来。 流行榜(pop chart)本身就是一个大的Crossover排行榜,因为那上面根本就是一个大杂烩,不管是爵士、古典、还是摇滚,只要热门起来,就都挤上了这个榜单。而那时候的排行榜类别,还体现出黑与白的种族划分。当一位黑人歌手的唱片打入白人唱片排行榜时,即便音乐风格差不多,也被认为是“Crossover”。 Crossover在美国是跟排行榜密不可分的。而排行榜不仅是唱片业的销量指针,也是文化生态的一种体现。在上世纪五、六十年代,Crossover指某些在不同类别的排行榜上登榜的唱片。 jazz 早期爵士乐 早期的爵士乐(1900—1917)曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调;有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调;还有12小结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。布鲁斯乐曲的和声节奏最慢,但它的独奏旋律线的变音转调较多,起音不一,音高变化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以“布鲁斯”作名称,而实际上是流行歌曲或别的什么同源形式。 早期爵士乐队的设置平均为8位乐师。在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。有时添一支短号和一件节奏乐器,有时加一把小提琴为领奏。在演奏过程中,乐队的每个成员,不仅仅是独奏者,都要做即兴演奏。彼此之间自发的互相谦让与合作,只受 *** 进行结构的限制,这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出,它就是“爵士乐”。 自由爵士 自由爵士产生于60年代,这种全新的音乐刚一出现,就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。 自由爵士不同于以往爵士乐,在和声、旋律方面没有太多的限制,演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念,节拍、对称性被统统打乱,同时,它也强调音乐本身的强度与张力,加入大量的不谐和音,把非洲、印度、日本、及 *** 等不同的音乐融合到了一起,采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子设备及打击乐器,因此,有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。 摇摆乐 二十年代末,美国出现大萧条,爵士乐也随之流行于一些秘密酒店、酒吧、妓院等场所,致使出现了一些更适合跳舞的爵士乐队——摇摆乐大乐队。最早出现的摇摆乐队是Fletcher Henderson(费莱切·汉德森)的大乐队,但使摇摆乐真正确立乐坛的要算是1935年Benny Goodman(本尼·古德曼)大乐队的成功,直到1946年大乐队时代结束为止,摇摆乐一直是流行乐坛上一支重要的力量。摇摆乐不同于早期的爵士乐,在演奏过程中不太注重合奏,反而更加强调独奏。个人的即兴主要以旋律为基础,与以前的演奏相比,这更具有冒险性。 这时期许多爵士艺术家经常与一些欧洲经典乐艺术家一起交流、探讨、相互借鉴,所以在摇摆乐中你也可以听到贝多芬、勃拉姆斯的回响。 摇摆乐继承了早期爵士乐的一些传统,同时也开辟了个人表演的新领域,许多大乐队的乐手后来都成为爵士巨星。 Cool爵士 1950年,Miles Davis九人小组推出的专辑《The Birth of The Cool》,标志着Cool爵士的产 生。 Cool爵士选用的音调是轻柔的、淡雅的,音质柔和干爽。独奏中,带给你一种柔和舒缓、克制的感觉。其重奏部分微妙深奥,有时让你联想起欧州经典室内乐。Cool爵士虽然也揉进了Bop的音调、旋律与和声的优势,但是比Bop的即兴演奏更舒缓平滑,音色更加和谐,与Bop相比,Cool爵士乐经常突出体现一种松弛感,而没有Bop那么强的内在张力。 Cool爵士鼓手也更加安静,不干扰其他音色,总而言之,Cool爵士风格是节制的,“点到为止”,这正是为什么其乐迷称之为“Cool”的原因。 Fusion 二十世纪七十年代,Fusion音乐渐渐发展起来,它的最初定义实际上是一种融合了爵士乐即兴和摇滚乐节奏的音乐。然而随着流行音乐、节奏布鲁斯以及各种音乐形式在世界乐坛逐渐繁荣,Fusion音乐又将这些音乐风格加以借鉴,我们现在所熟悉的Fusion音乐,其实已经成为一种冠有爵士乐名称的混合型音乐。 Regtime Regtime(拉格泰姆)爵士乐融合了欧洲古典音乐和欧洲军乐的特点而产生的。他打乱了古典音乐中严格的节拍规律,有演奏者掌握节奏的迟缓。乐曲的进行通常是起奏延缓,随即强调音节,这种风格在当时的钢琴演奏中极为常见。Regtime爵士乐在二十世纪出的十五年中非常盛行,虽然这种风格对爵士乐的形式具有非常重大的影响但是因为 它缺乏Blues的感觉和没有即兴感觉,所以并不能称之为真正的爵士乐。 Bebop “Bebop”一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节(或无意义的狂喊乱叫)。比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的“长一短”音型突然结束,而这个节奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。 Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组,还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。 Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱,这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次(如果是12小节的布鲁斯则演奏两次),接下来是在节奏组(一般是钢琴、低音提琴和鼓)伴奏下的几段即兴独奏叠句,再重复之一叠句的旋律结束全曲。节奏组自始至终重复着全曲的和声音型(包括变化音型),以保持乐曲的结构。 如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等 GOSPEL MUSIC 福音音乐 作为被剥夺文化的奴隶,早期非洲-美国黑人认为只有教堂才是他们能抒发和抚慰在新处境里心境的地方,并通过寓言和歌唱形式传播单纯的“转世投胎”的理论,使黑人教堂在19世纪异常繁荣。他们早期通过口耳传播非洲化的基督教圣歌,由此转化、形成了黑人精神——和谐的福音音乐。 像汉克·威廉斯(WILLIAMS, HANK)的《破旧的十字架》(The Old Rugged Cross)、《与你亲密无间》(Just a Closer Walk with Thee)和《我看到了曙光》(I Saw the Light)。此外还有托马斯·多尔西(Thomas Dorsey)的一些作品,这些乡土音乐都曾流行一时。如果不是这些乡村音乐家运用福音音乐的要素。创作出大量成功的作品,那么也就没有福音音乐的今天。 rock music 摇滚乐的正式产生是在50年代中期,但是这个名词却在50年代初期就已出现。1951年,克利夫兰电台唱片节目主持人艾伦·弗里德(Alan Freed)从一首节奏布鲁斯歌曲《我们要去摇,我们要去滚》(We're Gonna Rock ,We're Gonna Roll)中创造出了"摇滚乐"(Rock n' Roll)这个名词。1955年,电影《黑板丛林》(Blackboard Jungle)的上映对摇滚乐的产生带来了巨大的影响。它讲述的是一群学生造反的故事。一位中学教师面对这群学生唱起了一首歌,这首歌就是影片的插曲《昼夜摇滚》(Rock Around The Clock,例16)。这首歌曲在青少年中引起了极大的轰动。1955年7月,《昼夜摇滚》在波普排行榜上获得之一名,标志着摇滚时代的到来。它的演唱者比尔·哈利,也因此成了青少年崇拜的之一个摇滚乐偶像。从此,摇滚乐开始风靡全国。 RAP 说唱乐的起源可以追溯到黑人音乐根源中吟咏的段落中,到了70年代说唱乐正式确立了自己的风格,其中最主要的功劳要归根于当时流行的迪斯科舞厅中的DJ们,他们将黑人当时正在风行的FUNK节奏混入流行的迪斯科节奏中,并且在唱片机上反复重复同一张的唱片的内容,做自己的LOOPS,随着那些在现在广为人知和DJ们普遍应用的“打碟”法出现,说唱开始被街头黑人文化所流传,并且衍生出相当丰富的分支,诸如西海岸说唱乐(West Coast Rap)、南部说唱乐(Southern Rap)、流行说唱乐(Pop Rap)、老派说唱乐(Old Schold)、中西部说唱乐(Midwest Rap)、拉丁说唱(Latin Rap)、硬核说唱(Hardcore Rap)、黑帮说唱(Gangsta Rap)、外来说唱乐(Foreign Rap)、东海岸说唱乐(East Coast Rap)、过渡说唱乐(Crossover Rap)、喜剧说唱乐(Comedy Rap)、基督教说唱(Christian Rap)、另类说唱乐(Alternative Rap)等等,我们现在所谓的HIP-HOP正是由这些流派综合了当今流行元素而诞生的新词汇。尽管早在90年代初期就有人认为这种絮絮叨叨,满是脏话粗口,叛逆词语的音乐会很快消失,而事实上,在90年代末,随着一批新进的说唱乐手和以白人为主的说唱摇滚的风行,曾经被黑人抛弃的音乐又重新回到了流行音乐的前端,至少在新世纪的现在,这个风潮还不会消退 RAP是美国黑人音乐中的重要组成部分,是街头文化的主要基调,是世界流行音乐中的一块“黑色巧克力”。本文试图通过介绍几支美国当红RAP歌手/团体,让歌迷了解这些人的背景资料,找到自己喜欢的RAP明星。 首先,先简单的介绍一下关于Rap说唱乐的起源和发展过程 New Age 喜多郎——新音乐的先驱 可以说,早在70年代便开始致力于研究电子合成音乐的喜多郎(kitaro),是New Age音乐的首席代表,他的作品有着日本New Age音乐开路先锋的独特风格。将古典、流行、爵士融入电子音乐,这种不同于西方音乐的东方魅力,使得kitaro从首部作品《天界》面世开始,就得到了世界上越来越多的听众的肯定(当然很多人对于他的音乐比对他本人更为熟悉)。 《丝绸之路》系列的推出以及佳作《敦煌》的面世,都让国内的听众备感亲切。对中国题材音乐如此情有独钟,难怪喜多郎先生一直坚持“中国文化才是日本文化的根”。 沉浸在喜多郎的音乐宇宙里,你就会发现自己犹如沉醉于自然万物的流动韵律,只要闭目聆听,便有意想不到的美妙天籁应运而生了。 如果此刻你正打开音响感受喜多郎,那么你发现流淌在你周身的音乐给你带来什么变化了吗?请同样好好感受这一次——自己的深呼吸…… 雅尼——音乐也讲创新 雅尼现在已经成为全世界更具有创新精神的作曲家和演奏家之一,他成功地掀起了一阵热潮。他最擅长的事情是通过音乐与人达到共鸣,无论是通过他的音乐会还是通过电视和电台的广播,或者通过他的音乐专辑。 强力推荐的是他的专辑《雅尼雅典卫城音乐会》,作为他的第十个个人专辑包含了他那些最经典的音乐作品(专辑包括了“桑巴林岛”,“给想象钥匙”和他那首白金热门曲“热情的反射”),管弦乐队在新版本中并不是追加的,而是作为整个音乐的整体。作为一个作曲家,Yanni从来不去遵守那些过去确立的规则,在这个专辑里也不例外,他打破了交响乐团那些传统的经验,这么做的结果是产生了丰富的节奏并且优雅的音乐。 班得瑞——自然全接触 班得瑞乐团是由一群年轻作曲家、演奏家及音源采样工程师组成的,1990年发迹瑞士。他们从开始执行音乐 *** ,便深居在阿尔卑斯山林中,直到母带成品完成。置身在自然山野中,让班得瑞乐团拥有源源不绝的创作灵感,也拥有最自然脱俗的音乐风格。班得瑞的音乐里,展现了他们独特的编曲手法,以清爽的配乐架构出零压力、零负担的乐曲,他们细酌每一轨声道的解析度,使音域更宽广,音场效果更具空灵感,完全让你融入到大自然中去…… 目前,其流行世界的作品有《仙境》、《寂静山庄》、《蓝色天际》以及新推出的音乐情诗《风之羽翼》等。 神秘园——怎能不神秘 神秘园是一支著名的新世纪音乐风格的乐队,它由挪威作曲家兼键盘手(罗尔夫·劳弗兰)和爱尔兰女小提琴手(菲奥诺拉·莎莉)组成。乐队融合了爱尔兰空灵飘渺的乐风以及挪威民族音乐及古典音乐,乐曲恬静深远,自然流畅,使人不知不觉便已融入其中。 其首张专集《Song From A Secret Garden》的伤感绝对能杀死人,让人像迷失在神秘的丛林里,黑暗的看不到天,找不到出口。沉溺在这样的黑暗中,像一个人孤独地坐在路边大树的阴影下,静静看路上人来人往,别人看不到你,你也不想被看到,因为你害怕,因为你孤独,你知道这不是什么好事,但只有这样,受伤的心才能感到一丝安全,这样的孤独一直在诱惑你。其中的《田园》(Nocturne)一曲是乐队的成名作,曾获1995年欧洲歌唱大赛冠军。另一曲《来自神秘园的歌》(Song From A Secret Garden)在组建乐队前就在挪威发表并流行。迷幻之乐配以天籁之音,整首曲子让人听完后如同经受了一次心灵的洗礼。难怪身边总有人按下REPEAT键,一次又一次让这段旋律在耳边回旋。 莎拉布莱曼——纯粹的月光女神 莎拉布莱曼说:我只是尽我所能,发挥上帝赐予我的天赋。在美丽、冷艳的外表后面,她游走于音符之间,放任在流行与古典的边缘。她的歌声充满了个人特质,让人充满迷惑与想象,能给航行在海上的水手带来一种方向感、归依感。她的音质纯净、通透,尤其演唱不食人间烟火的角色时格外惹人怜惜。 作品首推其巅峰之作《LA LUNA》�月光女神 。这是一张以“月亮”为概念的专辑,其中收录了古今欧美知名的与月亮有关的单曲,包括流行歌曲、电影配乐,甚至是古典音乐重新填词,再经过高雅精致的编曲混音,搭配上莎拉布莱曼独一无二的空前美声,该专辑绝对给你一种充满迷惑与想象的轻松飘逸感。 恩雅——天使的声音 恩雅,这位80年代末到90年代初崛起的爱尔兰女歌手,有着中世纪的幽静和飘逸。身为音乐奇才的她在专辑中集作曲、演唱、编曲和演奏于一身,甚至连混音与合成都一手包办。她周游于流行乐和古典传统乐之间,天籁般美妙的嗓音迷煞了世界上大部分的听众。 《星空彩绘》、《牧羊人之月》、《居尔特人》、《水印》、《树的回忆》,她的专辑一度成为唱片行最热销的碟片。其中,《A Day Without Rain》(雨过天晴)获得了本届Grammy更佳New Age专辑奖。 但是这里要推荐的是她为风靡全球的影片《指环王:魔戒首部曲——护戒使者》所作的主题曲《may it be》,该曲给人置身于人间天堂的感觉,飘渺的旋律中所流露出的丝丝惆怅和影片略带忧伤的结尾配合得非常巧妙,浑然天成。难怪《魔戒》在第74届的奥斯卡奖评选上获得“更佳电影配乐”的奖项。 英格玛——中世纪魅力 Enigma(谜)这支来自德国的乐队,是早期准许引进内地的国外音乐之一。对于Enigma来说,他们喜欢用现代电子乐来表现神秘主义的主题,使人产生一种时空交错的奇妙感觉。乐曲中的人声也非常美妙:女声亮丽动人,如夜莺一般悦耳;男声低沉隐约,令人着迷。这是一种天生的美国式的圣歌,一种通过西方流行音乐节奏表现出来的遥远的非洲部落或严肃的宗教的回声。 1990年首张发行的Enigma大碟《神秘古国之声》(Sadness Part)中,有着中世纪教堂唱咏以及极具诱惑力的女声独白,电影配乐式意境在House Beat上,构成宗教意味加神秘色彩的舞曲…… 女巫医——梦呓神曲 可能《女巫医》本身远比它的作曲新纪元音乐全才梅德温来的更有名气。该专辑的乐器演奏,运用南美的轻松节奏,直笛、键盘及敲击乐器演出天籁之音,让人闭上眼可以想像出一幅热带雨林的奇异景色,百听不厌。梅德温说:“我的音乐使人们减轻压力并放松精神,它具备某种精神和你心灵深处的灵感,它具有震动的音调,不猛烈的节奏。我的音乐与其说是我的创造,不如说是对灵魂的洗涤。我不想让人们睡觉而是让他们进入能做任何事情的梦境;鼓励他们发挥他们自己的创造力。” 入乎内无风无浪,出乎外亦风亦浪
Q5:声乐考级8-10级曲目有哪些?
《声乐教学分级曲库(8-10级)》是声乐八级到十级曲库。内容有:我住长江头、松花江上、思乡曲、延安颂、赛吾里麦、思恋、月下情、望儿山、在中国大地上、送给妈妈的茉莉花、母亲河、真情永存、公仆赞、苦菜花,开在三月等。老师会根据不同学员参加不同的级别有针对性的辅导。声乐考试,每个级别演唱的曲目数量和表演要求都不相同,这就需要学员们对几次的考级内容有一个清楚的认识。声乐考试报考对象与级别划分:儿童、少年、成人均可报名考级。 所有科目均划分为九个级别,一级为起始级。现另设钢琴表演文凭级,每一级分为“通过”、 “不通过”两个等次。 可以资询各地琴行及考点。
Q6:中国古代戏曲主要指什么?包括了元散曲还有???
首先需要明确的是曲是继诗、词而兴起的一种汉族文学体裁。曲大致分为两种:一种进入戏剧的唱词,是戏曲,或称剧曲;另一种是散曲,或称为"清曲"、"今乐府"。是属于广义的汉族诗歌。所以散曲是不属于戏曲的。中国古代戏曲与诗、词、文、赋等文学体裁不同的是:戏曲既作为阅读的文本存在,包括剧本的情节、结构、关目、宫调、曲牌、文辞、声韵等方面;又有着复杂的艺术形式,包括唱、念、做、打以及舞台布景、音乐伴奏等,是一门综合性的艺术。中国古代戏曲的发展有两条主要线索,一是从西周末年的俳优滑稽表演到西汉百戏中的角抵戏,再到唐代的参军戏,故事表演日渐丰富,逐渐成为戏剧的主体。另一条是由原始歌舞到隋朝“九部乐”的制定,再到唐代代面、钵头、踏摇娘等歌舞戏的演出,民间歌舞艺术获得极大的发展,为戏曲官调、曲牌、声韵的成熟提供了有益的借鉴。宋代是戏曲发展的关键时期。宋代在参军戏的基础上,吸收融合历代歌舞艺术和民间说话、讲唱、影戏、杂扮等技艺的成就,对滑稽故事表演和歌舞戏两条线索兼收并蓄、融会贯通,产生了宋杂剧、金诸宫调、金院本以及戏文等新的文学形式。到了元代,在金院本和宋杂剧的基础上,元杂剧具备了成熟戏曲的诸种因素,形成了前景壮观的发展势头。 元代是我国戏曲繁荣兴盛的时期。元代戏曲主要分为杂剧和南戏两大类,二者各有自己的发展轨迹。由于南戏在元代前期处于发展的薄弱阶段,还不能与杂剧一争高下,所以代表元代更高文学成就的是元杂剧。明清两代,在通俗白话小说获得长足发展、取得巨大成功的同时, 明清传奇也迎来了古代戏曲史上的第二个高峰。戏曲到明清两代分为杂剧和传奇两大类。
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